La mujer y el arte
La mujer y el arte
Día de la mujer trabajadora 2004
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Kizette en el balcón. Tamara de Lempicka.

Kizette en el balcón. Tamara de Lempicka. Musée National D'Art Moderne, Centre Pompidou (Par?).

Autorretrato en el Bugatti verde. Tamara de Lempicka.

Autorretrato en el Bugatti verde. Tamara de Lempicka. Colección particular.

 


Gatos rayonistas. Natalia Gontcharova

Gatos rayonistas. Natalia Gontcharova. Guggenheim Museum (Nueva York, EE.UU.).

Bailarinas españolas. Natalia Gontcharova

Bailarinas españolas. Natalia Gomtcharova. Colección privada.

Iris negro. Georgia O'Keeffe.

Iris negro. Georgia O'Keeffe. Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE.UU.).

Black Mesa Landscape. Georgia O'Keffe.

Black Mesa Landscape, New Mexico / Out Back of Marie's II. Georgia O'Keffe. Georgia O'Keeffe Museum (Santa Fe, EE.UU.).

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 


Joie de vibre. Robert y Sonia Delaunay Joie de vibre. Robert y Sonia Delaunay. Centre Pompidou (Paris, Francia).

Rythme. Sonia Delaunay

Rythme. Sonia Delaunay. Centre Pompidou (Paris, Francia).

 

 

 

 

 

 

La convaleciente. María Blanchard

La convaleciente. María Blanchard..

Maternidad. María Blanchard

Maternidad. María Blanchard.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

El pianista. Liuvob Popova

El pianista. Liubov Popova. National Gallery of Canada (Ottawa, Canada).

El viajero. Liuvob Popova

El viajero. Liubov Popova.

Principios del siglo XX

El siglo XX es testigo de los grandes avances del movimiento feminista y de la lucha por los derechos de la mujer, pero todavía en la primera mitad del siglo las mujeres artistas siguen a la sombra de los hombres. Así se conoce a Sonia Terk como esposa de Robert Delaunay o a Georgia O’Keeffe de Alfred Stieglitz, a Gabrielle Münter como pareja de Wassily Kandinsky, a Lee Krasner de Jackson Pollock o a Dora Maar de Pablo Picasso. Las mujeres se acercan a las vanguardias y en muchos casos son ellas las primeras que dan el salto y las que empujan a sus compañeros hacia las novedades como, por ejemplo la abstracción.

La proliferación de creadoras en todas las disciplinas artísticas y en todos los movimientos de vanguardia a lo largo del siglo XX impide que podamos hablar de todas ellas. Recogemos solamente a algunas que, nacidas a finales del siglo XIX, desarrollan la mayor parte de su actividad en el siglo siguiente como Sonia Delaunay, Tamara de Lempicka, Natalia Gontcharova, Georgia O’Keeffe, María Blanchard o Liubov Popova.

 

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Tamara de Lempicka

Nace en 1898 en Varsovia y el apellido Lempicka lo toma de su primer marido Tadeusz Lempicki. Su infancia transcurre entre San Petersburgo, Karlsbad, Marienbad, Montecarlo e Italia donde visita los museos de Florencia, Roma y Venecia. Se integró en la rica sociedad de San Petersburgo y allí, en una fiesta de disfraces conoció al que luego sería su marido Tadeusz Lempicki. En aquella ciudad les sorprende la revolución bolchevique y él se involucra en la contrarrevolución por lo que tiene que huir a París. Aquí Tamara comienza a dedicarse a la pintura formándose al lado de Maurice Denis (artista próximo a los Nabis) y André Lothe (de formación cubista). Desarrolla un estilo enigmático y personal adscrito al Art Decó y en los años veinte se convierte en retratista de moda de la aristocracia, deslumbrando con la deliberada sensualidad de su arte.

En 1927 su marido parte para Polonia donde conocerá a otra mujer abandonando a Tamara y a su hija Kizette, pero ella continúa con éxito su carrera de pintora y frecuenta los salones de la alta sociedad. En 1933 se casa con el barón Kuffner y cinco años después se trasladan a Estados Unidos.

A finales de los años treinta comienza su lento declinar sufriendo crisis depresivas que motivan la intervención de un psiquiatra. Continúa pintando pero en 1943 se presentan los primeros síntomas de arteriosclerosis. A la muerte de su marido se establece en Cuernavaca (México) donde muere en 1980 y sus cenizas son esparcidas sobre el volcán Popocatepetl.

Hermosa y elegante, mundana y sofisticada, se convirtió en el fascinante símbolo de toda una época.

Joven de verde. Tamara de Lempicka

Joven de verde. Tamara de Lempicka.Musée National D'Art Moderne, Centre Pompidou (París, Francia).

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Natalia Goncharova (1881-1962)

Natalia Gontcharova

Nace en 1881 cerca de Tula en el seno de la alta burguesía rural rusa. En 1892 se traslada a Moscú donde se inscribe en el Instituto de Pintura, Escultura y Arquitectura abandonando los estudios universitarios que previamente había comenzado. Se dedica en principio a la escultura hasta que el pintor Michail Larionov la orienta hacia la pintura, al observar su predisposición al color. Sus primeras obras tienen influencias impresionistas, simbolistas, fauvistas o cubistas a las que se unen la tradición rusa (los iconos), el arte popular (los lubki) y las escenas de la vida campesina.

Formó parte, al lado de Larionov, de diferentes grupos dentro de la vanguardia rusa y definen juntos un nuevo estilo pictórico: el Rayonismo. La creatividad de la pintora no se limita a un solo movimiento sino que recoge aspectos de los diversos lenguajes vanguardistas. Esta libertad de estilo impresionó profundamente a Guillaume Apollinaire y sobre todo a Sergei Diaghilev que le pidió que trabajara para él en los decorados y el vestuario de algunos de sus ballets rusos. En los años veinte Natalia reside en París donde conoce a Matisse, Derain, Picasso, Delaunay, Leger y Cocteau entre otros y se acerca también a los ambientes dadaístas a través de Tristán Tzara. En la década siguiente la crítica comienza a desinteresarse por su trabajo agravando la crisis de la artista que se había iniciado tras la muerte de Diaghilev en 1929.

En 1955 se casa con Larionov, su compañero de toda la vida y morirá en octubre de 1962.

Autorretrato con lirios amarillos. Natalia Gontcharova

Autorretrato con lirios amarillos. Natalia Goncharova. Galería Tretyakov (Moscú, Rusia).

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Georgia O’Keeffe (1887-1986)

Georgia O'Keeffe

Nace en 1887 en Sun Prairie, Wisconsin. Estudió en el Art Institute de Chicago y en la Art Students’ League de Nueva York donde conoció al fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz con quien se casó en 1924. Se dedicó a la enseñanza en Virginia, en Texas y en Carolina del Sur. Durante este tiempo Stieglitz estuvo trabajando para organizar una exposición de su obra que se llevó a cabo en 1917 en la Galería 291 fundada por el propio fotógrafo. Un año después deja la enseñanza, se traslada a Nueva York donde se convierte en la musa de Stieglitz y se dedica íntegramente al arte.

Es especialmente conocida por sus cuadros casi abstractos basados en ampliaciones de plantas y flores, obras de gran elegancia y vitalidad, cuyas formas sensuales están llenas de sugerencias sexuales como por ejemplo el Iris negro de 1962 (Metropolitan Museum).

Durante su estancia en Nueva York realiza una serie de telas con paisajes urbanos en las que la ciudad se transforma en unas imágenes fantásticas con unas visionarias composiciones de formas geométricas muy coloristas. En los años treinta comienza a pasar los inviernos en Nuevo México, donde se establecerá permanentemente a la muerte de Stieglitz en 1946, y es frecuente que aparezca el paisaje del desierto en sus cuadros de esta época.

A partir de 1953 comenzó a viajar intensamente visitando Egipto, Grecia, Oriente Medio... y en la década de los sesenta, inspirándose en los vuelos aéreos, introduce en sus telas vistas de la tierra, el cielo y las nubes contempladas desde un avión.

Tenía el don de ver y el interés por pintar las formas abstractas de las cosas visibles sin abandonar del todo la apariencia natural de las mismas. Murió en 1986 en Santa Fe.

Blue and Green Music. Georgia O'Keefe

Blue and Green Music. Georgia O'Keeffe. The Art Institute of Chicago (EE.UU.).

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Sonia Delaunay (1885-1979)

Sonia Delaunay

Sonia Terk nació en 1885 en Gorodisce, Ucrania. A los cinco años fue adoptada por su tío materno Henri Terk tomando su apellido. Pasó su infancia en San Petersburgo y tras haber estudiado dibujo en Karlsruhe con Schmidt-Reutter se traslada a París en 1905 inscribiéndose en la Académie de la Palette donde estudió junto a Ozenfant y Dunoyer de Segonzac. Tras un corto matrimonio con Wilhem Uhde se casa con Robert Delaunay en 1910 colaborando con él en el desarrollo del Orfismo y realizando un tipo de pintura pura y abstracta donde el color es a la vez forma y tema.

Durante la década de los veinte Sonia trabajó fundamentalmente en tejidos y tapices estampados a mano y como diseñadora produjo un fuerte impacto en el mundo internacional de la moda. Igual que Natalia Gontcharova, trabajó como diseñadora de decorados y vestuario para los ballets rusos de Diaghilev. Tras una temporada en Madrid, el matrimonio se establece en París donde se integran en los ambientes surrealistas.

En 1930 se volcó en la pintura ingresando como miembro en la asociación Abstraction-Creation. Es la época de los “Ritmos” que desarrollan hasta el infinito la fórmula del disco simultáneo. Tras la muerte de su marido en 1941 continuó trabajando activamente como pintora y diseñadora. En 1964 se expuso en el Musée du Louvre una donación de 49 obras de Robert y 58 de Sonia que había recibido el Musée National d’Art Moderne de París, así Sonia Delaunay se convirtió en la primera mujer que vio en vida sus cuadros expuestos en el Louvre.
Su trabajo se caracteriza por una reconstrucción de la forma sólo por el color. Murió en París en 1979.

Valet de carreau. Sonia Delaunay. Litografía.

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María Blanchard (1881-1932)

María Blanchard

María Gutiérrez-Cueto Blanchard nace en Santander en 1981 en el seno de una familia de la burguesía culta que apoyó siempre su temprana vocación artística, compensando de alguna manera, una deformidad física, producto de una caída de su madre durante el embarazo, que la marcó profundamente durante toda su vida.
En 1903 se traslada a Madrid para dedicarse a la pintura estudiando con Emilio Sala, quien influyó en la exuberancia del color y en el uso de un dibujo preciso, Fernando Álvarez de Sotomayor, de quien aprendió el gusto por las composiciones armoniosas y poéticas y Manuel Benedito, con quien se interesó por las naturalezas muertas.

En 1908 obtuvo la Tercera Medalla en la Exposición Nacional de Bellas Artes por la obra Primeros Pasos. Al año siguiente se traslada a París con una beca acudiendo a la Academia Vitti donde recibe clases de Anglada Camarasa y de Kees van Dogen quienes le enseñan una libertad de creación que la aleja de las ataduras académicas que le habían inculcado en España acercándose al Fauvismo. Posteriormente conoce a Juan Gris y a Jacques Lipchitz que la introducen en el Cubismo. A su vuelta a Madrid en 1914 asiste a la tertulia del Café Pombo y participa en la polémica Exposición de Pintores Íntegros organizada en 1915 por Ramón Gómez de la Serna. Tras una corta temporada como profesora de dibujo en Salamanca vuelve definitivamente a París en 1916.

Hasta este momento su obra era figurativa con una factura académica, de dibujo firme y tonos sobrios donde predominan las escenas costumbristas carentes de novedad. Con su vuelta a París se inicia una etapa cubista, próxima al estilo de Juan Gris, de intensos contrastes cromáticos y construcción monumental en la forma, con unas notas expresionistas muy personales. En los años veinte se produce un “retorno al orden” impregnado de un hondo sentimiento religioso que coincidió con un agravamiento de su dolencia. La figura humana, principalmente seres enfermos y dolientes situados en ambientes tristes, serán el centro de su obra. Son pinturas de color delicado y ritmos angulares que reflejan la infancia, la soledad, el abatimiento, la tristeza, la enfermedad. A pesar del notable éxito que alcanza su cuadro La Communiante en el Salon des Independents de 1921 y del interés del marchante Leonce Rosenberg en su obra, las penurias económicas y su delicada salud, la sumen en una gran tristeza. Morirá de tuberculosis en París en 1932.

Composición cubista. María Blanchard

Composición cubista. María Blanchard. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid, España).

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Liubov Popova (1889-1924)

Liubov Popova

Nace en Ivanovskoe en 1889 en el seno de una familia de comerciantes culta y acomodada. Estudia arte con Stanislav Zhukovsky, Konstantin Yuon e Ivan Dudin. Viajó por Rusia e Italia y en 1912 trabaja en un estudio en Moscú donde coincide con Vladimir Tatlin y Alexei Grishchenko entre otros. Durante su estancia en París entre 1912-1913, estudia con Henri Le Fauconnier y Jean Metzinger y se adhiere al Cubismo interesándose posteriormente por el Futurismo.
Vuelve a Moscú y participa en diversas exposiciones uniéndose a los suprematistas de Kazimir Malevich. En 1918 se casa con el historiador de arte Boris von Eding.
Diseñó trajes y decorados para diferentes obras de teatro y trabajó en diseños textiles. Impartió clases en la Escuela de Arte y Teatro Vkhutemas e ingresó en el Instituto de Cultura Artística Inkhuk, centro de las teorías constructivistas. Fallece en Moscú en 1924 víctima de la escarlatina.

Popova fue un de los miembros principales de la vanguardia rusa a pesar de su prematura muerte. Prestó gran atención al color y al espacio y le interesaba mucho lo que ella denominaba valor arquitectónico de un cuadro. Sus obras experimentales de los años 1916-20 llamadas de arquitectura pictórica, realizadas con un estilo no-objetivo, constituyen una respuesta muy flexible y sensual al color pero diferenciándose considerablemente del estilo de Malevich. Rechaza la cualidad perspectivista del color lo que apunta a una concepción de la pintura como un arte de superficie alejado del papel tridimensional y por ello ilusionista. Creía que la pintura debía volver a su base bidimensional y abandonar la perspectiva, el espacio y el volumen más propios del relieve y la arquitectura.


Birsk. Liubov Popova

Birsk. Liubov Popova. Guggenheim Museum (Nueva York, EE.UU.).

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Última actualización: 31-Mar-2016

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